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年II
2006-01-31
冬季到臺北來看雨 別在異鄉哭泣
冬季到臺北來看雨 夢是唯一行李輕輕回來不吵醒往事 就當我從來不曾遠離
如果相逢把話藏心底 沒有人比我更懂你天還是天喔雨還是雨 我的傘下不再有你
我還是我喔你還是你 只是多了一個冬季冬季到臺北來看雨 別在異鄉哭泣
冬季到臺北來看雨 也許會遇見你街道冷清心是卻擁擠 每一個角落都有回憶
如果相逢也不必逃避 我終將擦肩而去天還是天喔雨還是雨 這城市我不再熟悉
我還是我喔你還是你 只是多了一個冬季 -
年
2006-01-31
过年了，挺忙的，但心情没想象中的那么糟！ -
默琪的照片
2006-01-25
默琪的照片
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2005年度欧美独立音乐聆听趣味回顾--实验下篇
2006-01-24
2005年度欧美独立音乐聆听趣味回顾--实验下篇
http://ent.sina.com.cn 2006年01月24日16:30 新浪娱乐 如果说实验上篇所回顾的专辑之间尚具有一些音乐创作手法共性的话，那么本次下篇所涉及到的实验音乐专辑则各自都具有某一方面的独特性，就像前面我们回顾过的独立流行乐下篇、独立摇滚下篇一样。所以，同样，下面2005年度的7张实验音乐专辑的聆听也都会给予欣赏者极为深刻的音乐感受：诡异奇幻、激荡大气、爱恨交织
1、World's End Girlfriend-《The Lie Lay Land》：一个完整的奇幻世界微缩体验
聆听指数：9.3/10
成千上万只的飞蛾扑打着翅膀构筑起一扇奇异的世界之门，翅膀之间相互拍打而成的点触在空气中形成看不见的荧光棒，无数的荧光棒如悬浮的雾气或是击向空中的枝杈打在穿过此门的人们的皮肤上，而人们于这样一种直面而来的覆盖之下，亦将自己与门后的奇异世界之间的关系带向一个极端的体验，与此同时，你便不自觉地进入到专辑音乐所构筑的奇幻世界中；而一旦你跨越这扇世界之门，你所看到的将是一幅闪烁着魔幻精灵气质的另类景象，你禁不住要四处去看个究竟……
这扇奇异世界的大门便是日本团体World's End Girlfriend在2005年专辑《The Lie Lay Land》中的第1支单曲《飞蛾幻象之门》(Phantasmagoria Moth Gate)，听者藉由它便可以进入到一个如同唱片封面所揭示的奇异世界中。从唱片封面看来，很多人会以为这或许又是一张低调忧郁作品，那我只能说你仅猜中了一成，事实上，这是一张十分出色的融合实验音乐作品：融合-多种不同曲风和各色器乐在唱片中都可见到；实验-噪音、拼贴、采样以及听者并不熟知的现代电子乐实验技法。所以说，一般乐友可能会对这张唱片中的部分作品一时无法接受，但如果可以静下心来聆听，你一定会听到感动你的聆听趣味，这其实也是不少优秀实验音乐作品的一个特点，即：只要听者细心聆听就会有聆听过程中的乐趣。
回到这张唱片，如果用几个字来整体描述这张唱片，我会用“诡异奇幻”，暗色调的管弦乐的主导无疑是制造诡异声景的头号，这使得作品整体呈现出灰暗的色彩，但作品音色却时而也显现出星星点点的闪亮乐色，这点点闪烁则来自于采样人声以及一些空灵乐色(如键盘或一些小电音乐元素)相互之间的衬托渲染。
从音乐上，首先还得提及作品中的管弦乐演绎，尤其是弦乐，真地，我已经很久没有听到这么具有杀伤力的弦乐了，其结合噪音对于音乐气势顿挫的把握令人叫绝，在音乐情境上，或层层渲染，或急转直下，抑或凝结于一点的爆发，那种弦乐所能具有的张力被表现地淋漓尽致；至于管乐方面，除了最后1首作品中是作为主角出场外，其它作品中基本上是以副角色出演；其次就是实验色彩，在一种暗色情境之下，各种乐器以及各种实验手段在乐队高超地音乐创作手法之下融为一体；最后一点，个人认为这张唱片可以看作是一张概念唱片，即如此无缝的10首作品像听者呈现了一个完整的奇幻世界的微缩体验，各位不妨去深入想象，是否真是如此，如果将此音乐带给我们的想象拍成一部影片，那一定是极尽诡异的奇幻佳作。
2、Jaga Jazzist -《What We Must》：What We Must 爽！
聆听指数：9.1/10
将这张7部作品、时长近50分钟的唱片比拟成一场异常精彩的跨界音乐会(规模和气势上要原比实验上篇所提到的即兴音乐话剧)是毫不夸张的，同样也毫不夸张地说这张唱片是个人所听到的2005年最为出色的即兴器乐作品和最为出色的实验融合作品(如果不包括上面的《The Lie Lay Land》)以及最为出色的噪音作品。整张唱片所涉及的器乐之多、音乐风格多样以及细节之处的如节奏把握、音色变幻、音乐气势、吉他演绎、摇滚鼓击等等都会让你印象深刻，而整体上融合出来的即兴色彩将会极大地撩动你的听觉神经。
将这场音乐会进行解构之后，你将会看到参加出演的主要有爵士乐团、摇滚乐团和电声乐团，以及整场音乐会仅共计出场2-3分钟的人声合唱团，还有最后才出场的管弦乐团，虽然Jaga Jazzist别具匠心和极具变化性的编排似乎显露出极度的不可捉摸，但仔细聆听之下，仍会发现其器乐编排的一些规律，如每部作品开场似乎都是爵士和电声相互应和的暖场器乐，摇滚乐团的加入渐渐地成为节奏的主导，其吉他出神入化的演绎以及鼓手击打之节奏与其它器乐的融合，尤其是鼓手，其节奏引领所有器乐形成一浑然整体而进入即兴癫狂之情境，尤其是第5部作品最为出色的表现了这一点；此外吉他手也算是用到其极：起首的铿锵拨弦、随后的失真以及再后来的蚀化钝色，尤其是失真的出色演绎保证了整部作品的噪音吉他的高水准。
整部作品听下来，听者可以感觉到各种器乐跨越音乐界限之后的相互碰撞，而在碰撞之下的融合将足以会让每一个音乐听者随之兴奋、躁动和宣泄-What We Must 爽！
3、Paavoharju-《Yha hamaraa》：天堂原来并不安静
聆听指数：9.0/10
北欧是块音乐风水宝地-瑞典、挪威、芬兰这三个北欧国家的音乐都非常有自己的特色，瑞典是站在国际流行音乐的潮流前端(仅次于美国和英国的第3大音乐输出国)，这为大多数人所熟知，而挪威和芬兰则于流行音乐舞台上相对沉寂，但如果有心可以关注一下的话，你会发现这两个国家独特音乐环境之中的一些风格音乐在另一个舞台上(实验、前卫音乐和民谣音乐)独领风骚，而2005年浮出水面的这支名为Paavoharju的音乐团体仅是冰山之一角。
Paavoharju是一支“4＋N”编制的灵活组合，4名核心乐队成员决定每部新作品需要加入进来的临时音乐艺人，这种决定完全取决于他们想要做出如何变化和创新的音乐。Paavoharju音乐的实验特色表现在独特的器乐编配：玩具(发出的声响)、合成器、电脑、低音质的田野采样录音以及摇滚乐器，乐队以这些器乐元素最后营造出来的是具有Lo Fi色彩的实验、扭曲化和戏剧化的音乐景象，而于音乐色彩上则充满着空间氛围感的暖意，感性而具有不俗的美感。
Paavoharju的音乐的确是充满着惊奇的，音乐的手法和元素的运用都会让你耳中一亮。灵气穿插的合成器声效、那凄艳魅惑的摄人女声、噪音元素的铺陈、印度音乐元素的融入、各种来自自然界的音效拼贴等等；Paavoharju的音乐是梦幻的，两种梦幻的完美融合，那种噪音之下的浊色空幻的在其后的冷亮女声引领下进入另外一中梦幻色彩的空间。
Paavoharju在《Yha hamaraa》(芬兰语意思为“仍旧黑暗”-“Still Dark”)这张专辑中勾勒出一幅远离城市凡尘的世外天堂，这天堂绝非静谧，有喧嚣、有暗色、有不和谐、甚至还会有些诡异，但最终却整体而构筑成一个充满着惊奇的祥和之地，对于这样一种心灵和精神气质，乐队成员Ragnar Rock说道：“音乐是上帝赋予我们的能力，而耶稣本人就是一个十分摇滚的家伙，所以我们音乐中所表现出来的精神气质很难说得清楚，不过我们不想将宗教和世俗搞成天各一边。”
4、Xiu Xiu-《La Foret》：爱恨交织-热情洋溢的阿秀音乐
聆听指数：8.2/10
Xiu Xiu-秀秀，这么水气灵亮的名字，你或许忍不住也会如此想象他们的音乐，没有问题，只要你并不认为“水气灵亮”就一定会好听，那基本上“秀秀”的音乐会在这个预料之中的。
“秀秀”的音乐经常被形容为“要么恨之入骨，要么爱到痴迷”(Love-It-or-Hate-It)，这就意味着对于“秀秀”的音乐会很明显地形成两个听众群体，“秀秀”的音乐所形成的这种特质也完全将他们与众多的独立乐团分别开来，其实在他们的音乐主题中也经常是涉及诸如自杀、情感失落和虐待辱骂这样的内容，但是“秀秀”于这些主题内容在音乐上的表现则完全和常人所能接受的阐述方式相反，在我们看来，此类主题用音乐来表现的话，可能以一种沉缓、庄严或者以愤怒的姿态，但是“秀秀”的音乐却是以一种极为热情洋溢的音乐方式来予以呈现，这种内容与乐感外在之间的极大反差造就了“秀秀”音乐的独特性，这是一种更具有冲击力的音乐表现力量，但很多人只是将“秀秀”的热情洋溢理解为极度煽情乃至矫柔造作，尤其是对于主唱Jamie Stewart神经质般的支离破碎的音乐唱腔，这的确是对初次聆听者的一大考验。
在这张专辑中，Xiu Xiu的男主音Jamie Stewart无疑仍旧是音乐的中心，他的那种颇有些矫情、抑扬顿挫、古典管弦风味的人声引领着整张唱片的主要音乐色调，而附着在其上的则是更加精彩的不同音乐风格元素以及各种器乐演绎的融合碰撞，如：古典原色与键盘空亮的点触、合成器以及所制造出来的电子白噪、80年代新浪潮的复古气息、氛围音乐元素等。整张唱片的前半段颇为出色，不仅每首作品的风格呈现出迥异的风采，而且Jamie Stewart那种矫情的声音和各种器乐以及风格元素相融地也非常不错，但是随着音乐的进行，Jamie Stewart愈发彰显出了对器乐的控制，这时的音乐呈现出来一种过份的渲染色彩，此时Jamie Stewart的声音也容易让聆听者有些无法忍受，所以听到后面就是考验聆听者对于Jamie Stewart唱腔的耐力了。个人认为如果抽掉Jamie Stewart的人声，我想整体的器乐倒是最为值得赞的地方，但那就不是让人又爱又恨的“秀秀”了。
5、Sanso-Xtro-《Sentimentalist》：灵感源自整体破碎的瞬间
聆听指数：7.6/10
Sanso-Xtro真名是Melissa Agate，是个来自澳洲的音乐才女，目前居住在英国伦敦，《Sentimentalist》是她的第1张正式发行的作品，此前，她曾经在一支先锋摇滚乐队待过，当时是鼓手，但她的能力远不止于此，她能够驾驭很多的乐器，如原声器乐中：吉它、夏威夷的四弦琴(ukulele)、克林巴琴(kalimba，非洲班图人的乐器)；更为重要的是他还对模拟合成器以及便携电脑创作也深为精通。她的风格影响也来自多个方面：先锋爵士乐、布鲁斯、实验电子音乐。所以在这张唱片中，大概你都可以感觉到上面诸多的音乐味道。
对于器乐以及电脑创作正在成为信息时代音乐创作的一个大趋势，各种现成的音乐素材经由音乐创作者通过电脑合成完全可以做出极其复杂的的深度作品，而对于那些还精通各种实际器乐演奏的创作者来说，其音乐的表现力将更加丰满，就像Sanso-Xtro的音乐所展示给你的一般。《Sentimentalist》这张唱片，让我们接触一种当前无法确切界定风格类型的实验音乐，你可以把它看作是电子音乐的一脉，也可以将其看作是器乐实验的一支，但如果仅从音乐角度来描述它，就是：原声音色的器乐＋模拟合成器的电子声效＋Laptop(膝上型电脑)＋散落各处的其它小乐器的拼贴。这种音乐从整体上呈现出一种片断(或碎片)有机集成的效果，而拆开来聆听，则每支单曲不具有完整的旋律(甚至节奏)，听起来或许感觉会比较晦涩，但如果听进去，实则不然。个人认为这种细碎的音乐，它所包含的音乐灵感要远远高于那些有着优美旋律的音乐作品，所以，听这种音乐，更多地我们是体验一种音乐的灵感，因为细碎，所以才能更好捕捉。
所以，看看你能否从Sanso-Xtro这些小小的音乐碎片中发现些什么或者感觉到什么，最后顺便说一句：知道每首单曲的中文含义将有助于你以一种更为具像的方式聆听此张唱片，如专辑中第2首作品，中文名是“火花”，那么你可以听听看Sanso-Xtro怎样用音乐来表现火花的这种现实景象。
6、Harris Newman-《Accidents With Nature And Each Other》：晦涩 考验你对于纯吉他音乐的耐力
聆听指数：7.5/10
记得两三年前曾经有段时间，在很多打口贩卖店中，都有一台CD播放机，而如果不是买家试碟的话，则很多时候都是在播放吉他大师的音乐作品，而我当时却对此并不感冒，虽然很多人以刻录盘的方式进行收藏，然而，就在去年，我的确对加拿大蒙特利尔地区的一众吉他艺人的作品狠狠地感冒了一把，难怪去年出奇地一次感冒没得，原来、大概尽感冒它了。
Harris Newman是加拿大蒙特利尔地下实验音乐的轴心式人物，除了自己开展的个人音乐生涯之外，与圈内众多各色风格的音乐艺人长期保持合作(比如实验上篇回顾中所提到的Esmerine乐团)。作为个人来说，Harris Newman是一个原音吉他(尤其是民谣吉他-Steel-String Guitar)实验乐手，他的音乐能力不仅在其具有的高超吉他弹奏技巧上，更在于他对于声音的把握，后者使得他的音乐呈现出足够的复杂(也许对很多初听者会比较晦涩)。
在《Accidents With Nature And Each Other》这张专辑中，Harris Newman用赤裸裸的民谣吉他原始声音在一个极为宽广的声响场景中予以丰富的展现，其结果就是不仅仅构筑了专辑中音乐声响和结构上的变化多端，而且所有的核心均围绕着原音吉他来展开，这种变化的幅度将对于聆听者形成耐力的考验，而音乐美感的张力表现在音乐中缺乏力量但足够华美的旋律与原音强有力的弹奏节拍相互间的反差胶着，此外就是幽灵气质的声响和声与原音吉他所演绎出的嗡响噪音之间的融合碰撞。
Harris Newman的这张新专辑对于很多纯粹吉他器乐的聆听者来说，不啻为一部上佳的聆赏大作；但于那些初次聆听者，则突出的印象将会是：足够晦涩。
7、Gang Gang Dance-《God's Money》：上帝的钞票不太好花费
聆听指数：7.5/10
实验音乐并不意味着音乐作品在结构上的缺失(或没有结构可言)，它更多地是说这种音乐具有开放的创作态度，所创作出来的音乐无法去用现有既定框架的各种音乐术语予以限定和描述，Gang Gang Dance以他们的音乐向我们很好地阐释了这一点。
来自纽约的Gang Gang Dance是个四人团体，他们音乐的影响来自音乐领域以及艺术领域的多个方面，这造成了他们的音乐最后无法进行确切的归类，所碰到的一个现实问题就是：参加何种音乐节和应该和哪些乐队一起巡演比较合适。而最后在一次音乐节的名单上，Gang Gang Dance是和若干噪音乐团被放在一组。其实GGD的音乐可以看作是一种“噪音”，但这种噪音具有非常的独特性，它不是强调一种持续意义上的通常噪音，而是不断地各种音乐元素近乎即兴地碰撞所达到的一种整体效果意义上的“噪音”，所以，虽然“噪”，可音乐中还是有一些诱人的音乐片断，如：节奏感不错的鼓击、管乐的旋律、人声的变幻等。
在发行厂牌的官方网站介绍中，Gang Gang Dance的音乐被视为一种现代音乐(Modern Music)，这种音乐将各色电子音乐融入到一个统一的织体之中，各种层出不穷的声音、节奏以及旋律以一种活波善变的情态予以表露，但事实上，个人认为Gang Gang Dance的音乐还是不大会适合大多数的国内听众(尽管是独立听众，我想也是如此)，我们更多地会喜欢那种带有旋律色彩的即兴器乐(比如上面提到的Jaga Jazzist乐团)，而并非是Gang Gang Dance这种切化组合而不具整体旋律的作品。如果你想体验一下零碎和不和谐到底在音乐创作可以达到何种程度，Gang Gang Dance的这张唱片可以给你一个大概的聆听感受，但你也会知道：上帝的钞票的确不是那么好花费。
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2005年度欧美独立音乐聆听趣味回顾--实验上篇
2006-01-24
2005年度欧美独立音乐聆听趣味回顾--实验上篇
http://ent.sina.com.cn 2006年01月24日16:27 新浪娱乐 我们现在大概都会理解：破碎和残缺也可以是种美。突破传统的框架限制以及自身所形成的惯性思维，都具有实验的精神在其中。当音乐艺人用他们不断进取的精神打破既定的创作程式时，很多人对最后所形成的实验音乐却无法纳入到固有的聆听惯性中，晦暗、艰涩、难听、冗长、无旋律、没人声等等都成为聆听上的托辞，所以，并非所有的音乐听众也如同实验音乐艺人一样，具有对于自身音乐聆听的实验精神，也正因为如此，错失了很多体验实验音乐中真正另类美感的机会，错失了去体会传统框架之外的破碎之美、残缺之美、不和谐之美……。而当你有实验精神在其中徜徉的时候，你也会惊讶地发现原来这里竟然还有比流行音乐(显然这个比较不太恰当)更好听的音乐，一点也不晦涩，一点也不难听。所以，带点实验的精神去听实验的音乐。
1、Detwiije -《Would You Rather Be Followed By Forty Ducks For The Rest Of Your Life》：你会和四十只鸭子过下半辈子吗？
聆听指数：8.6/10
Detwiije是一支现居伦敦的多国部队，乐队5名成员分别来自英国、法国和美国，另外现场演出中还有一位来自西班牙的VJ。乐队成立以前，各位成员基本上都是一些以人声为主的乐队(Vocal Band)成员，音乐上所受的影响也差异明显，从大雅之堂的古典音乐到疯狂暴戾的金属音乐，这些不同的音乐影响倒似乎并没有使得Detwiije的音乐也呈现大幅度的起伏变化，但乐队还是由雅之一面的古典音乐着力，进而融合各种录音技术以及数码混音。可以这么说：Detwiije的音乐是古典气质与当代录音技术的融合所形成的独特声响。
“传统的摇滚乐都在用一些乖巧的吉他重复段来和同样乖巧的人声(容易上口的音乐)来取悦大众，但是就人声本身的意义来说，在这样一种手法之下，音乐所给予它的施展空间则非常有限，甚至是在限制人声的拓展，我们非常厌恶这种创作手法，所以，我们的音乐中，人声是作为一种特殊的乐器来予以展现。”Detwiije对于人声的这种器乐角度的理解也直接地反映到他们的音乐之中，2005年的这张新作品则几乎就失去了人声的表现，作为一种乐器似乎愈发地不被Detwiije所采用。
这是一张以精练的器乐架构出的复杂器乐作品(各种丰富的声响要得益于录音技术的完美应用)，吉它、贝司、鼓，外加一把小提琴。其实最能引起大家共鸣的当属这把小提琴的乐色，小提琴在作品大体有3个着力点：各支作品起首的哀婉音色(仅凭这点，就足以让听者感受到这张专辑的非一般)；和着吉它噪音墙或急速推进的音乐节奏，此时，小提琴的弦乐紧促，使得这些片断的音感甚为丰富饱满；狂躁之后的缓奏，让听者在紧绷之余体会一种释然放下的音乐情感。作品中的小提琴会让你心动，但不能忽略其它乐器与之相互间的默契配合，更何况，吉它、贝司、鼓才是架构这张作品的主要乐器。贝司一直就是整张作品浑暗音色的主要决定角色，当然，有时它也会形成自身的明显节奏以应和吉它与鼓的演绎；吉它和鼓要放在一起聆听，它们各自最为精彩的部分基本集中在这两者之间的合谋而动，当吉它轻缓之时，鼓击亦显得沉缓；当吉它噪音暴虐之时，鼓击频率也明显密集。
Detwiije录制这张专辑有幸邀请到了英国著名的独立派古典音乐录音大家Tony Faulkner(此人在其目前为止29年的音乐生涯中共录制了1500张商业古典音乐作品)，想必此人对于古典音乐录音的高超技艺也为这张专辑增色不少。
2、Esmerine-《Aurora》：“狠”要爆发于黎明曙光来到之时
聆听指数：8.4/10
Esmerine是一个Side Project(很多独立艺人除了主要的音乐团体外，还有很多和其他艺人闲来之余组建的团体)，是由Godspeed You! Black Emperor(又缩写为GYBE)乐队的Bruce Cawdron和A Silver Mt. Zion乐队的Beckie Foon两人组成，GYBE多数实验(后摇)乐迷都知道，著名的后摇滚团体，而A Silver Mt. Zion则是一支实验音乐团体，氛围、采样、民谣、原音器乐等等音乐元素的无调性融合是这支乐队的主要音乐特色。所以，你可想而知Esmerine所创作的大概是怎样的一种音乐了。
Esmerine此张专辑的器乐和上面的Detwiije颇为相似，即古典器乐(大小提琴)与摇滚器乐，但手法却完全不同，所表现出来的音乐情境也迥异，Esmerine的音乐更具有“厚积于一点而爆发”的高度能量，让人感觉到一种“坚持和执着的狠劲”。专辑的第1首作品中，你就可以感觉到Esmerine像一头倔强的老牛，作品中浑浊的弦乐与更加低沉的大提琴交织着，在黑暗中潜行和持续着，其间偶尔会泛起一丝钢琴乐色的穿透点击，继续聆听，坚持住，在最后的2分钟内，Esmerine高能量的摇滚器乐终于让你感觉到一种坚持的力量爆发，此时先前的声场亦变得势力强劲，弦乐也变得张扬急促，潜行者终于看到了那绝对属于他的黎明曙光。
第2首单曲是专辑中最长可能也是会让多数人感觉最为晦涩的一支作品，其足有7分多钟的由大提琴主领的失真氛围声场足够考验你的聆听坚持耐力，但作品依然是第一首的策略，从第10分钟开始发力，依然是摇滚器乐予以点爆，其酣畅淋漓要远胜于前首作品。
与以上2首作品相比，其它4支单曲就多显示出一些异样的各色风采，如第4首是一支积极凄婉的钢琴弦乐作品，还有以声效构筑氛围景象的第5首作品。
3、Hrsta-《Stem Stem In Electro》：不懂梵语 也能唱经念佛
聆听指数：8.3/10
又是一支和GYBE脱不开干系的乐队，乐队灵魂人物Mike Moya曾经是GYBE的始创成员；其他3名成员也都和一些实验音乐圈中的著名乐队多有合作，比如Silver Mt. Zion、Esmerine、Jackie-O Motherfucker以及Set Fire to Flames等。
Hrsta乐队的这张新作品有着极为浓厚的迷幻摇滚乐气质，于节奏之上采取低调缓慢的态度，而于整体的器乐演奏和人声上则突出一种令人不安的情绪，有着一种潜在的情绪暗示(就像专辑的封面一样)。开首曲《... And We Climb》就很好地凸显了这种不安的情绪，恍惚的众人合唱“We Climb To The Light”就如同一群信徒的祭祀礼拜，而Mike Moya的吉他将这本已经就足够恍惚的和声变得异常诡秘，于声音之中穿插一丝丝不安的思绪，而这一切又引出了乐队音乐的另外一个重要气质，由《Blood On The Sun》所表现出来的遁然出世的超然姿态，Moya那潜心修来世的声音就像是服了镇静剂的Wayne Coyne(Flaming Lips乐团主唱)；而于专辑的后半部分则贯穿着70年代的前摇音乐气质，在作品的最后器乐高潮都演绎出一种恢弘的大气。
《Stem Stem In Electro》以器乐的精彩演绎，将一个潜在的、阴凉的、不安的世界呈现在听者面前，从沉缓的推进到高潮处的迸发，都让人体会到这个独特世界所具有的内在潜能。
4、Aarktica-《Bleeding Light》：让毒品见鬼去吧 现在我们都听Aarktica
聆听指数：8.1/10
Aarktica就是Jon DeRosa，一位极其敏感的家伙，“对周围的谨小慎微使得自己也成为一个这样的人，在我的音乐中所体现出来的折衷主义，其实也是我自己生活中对待周遭人事的一种态度。”Jon DeRosa自我介绍时谈到自己；Jon DeRosa非常强调一种个人的独立姿态，“我不希望在音乐上形成一个固定的编制，尽管或许以后可以成名，但我不在乎这些，这些只会让我失去敏感的自我，尽管会让我感到舒适。”基于对独立的这种理解，Jon DeRosa自己比较厌恶人多的场合，而在很多时候，他都是处于一种已形成日常生活的精神疗法之中-对于内在心智的调和；基于对自我的着重和谨慎的态度，Jon DeRosa也坦陈自己经常不太肯定对于周遭事物的直觉感知。所以，你无法指望这样的一个人能够做出大众喜欢的音乐来，他于自我心智的探索或者他自己所处的精神状态，完全恰当地体现在他的音乐中。Aarktica的音乐经常就是大段的吉他氛围，先将你的自我意识抓走，而后引领着你在迷幻的状态中到达另外一个彼岸(深入体会一下，他的音乐和LSD的致幻功效可有一比)。
如果从音乐与听者的感性互动的角度上看，所有的音乐作品只有两个方面或者方向：强我与无我。前者振奋你的精神，而后者麻痹你的神经，其实是振奋也好、麻痹也罢，本质上并无好坏区分，善恶都取决于听者自己将会做出何种反应。
这张新作品即是一张可能会麻痹你的神经“毒药”，一张倾向于正统意义上的氛围作品，且音色偏暗调(这是与DeRosa个人受到Projekt黑暗氛围风格影响相契合的)，前10分钟的“毒药”药引将缓慢地使你进入状态；接下来的20分钟，真正的药效终于呈现，闭上眼睛，让我们好好享受；最后近20分钟则是药效渐行褪去，由于前面的深为浸入，这药效褪去的20分钟也会显得足够地爽，最后甚至还来了一个高潮。
传统上的Ambient音乐经常会被很多乐友认为缺乏起伏变化而凸显晦涩，有时的确如此，但是就Aarkitica的这张《Bleeding Light》来说，则较少甚至没有这种晦涩的感觉，作品中用了电子合成器、吉他、西塔琴甚至到人声等多种器乐手法来营造主体上的氛围音景，为了达到更好的氛围效果，DeRosa更多地运用了对相同音色不断重复的演绎手法，为了使作品不至于艰涩，作品中还融入了稀疏的电子元素，更加值得一提的是某些强氛围作品中的萨克斯器乐的反差演绎很见效果，似乎隐隐感觉其声色正是引领你浸入氛围的牵引线。
5、Mice Parade-《Bem-Vinda Vontade》：实验音乐的即兴话剧
聆听指数：8.0/10
有些实验音乐的器乐演奏具有很强的密集性，而且这种密集经常给人周全并天衣无缝的感觉，似乎是经过准确测算过的，这样的音乐，有个音乐术语-数字摇滚乐(Math Rock)来描述，由于数字摇滚乐只能从整体上给予听者这种密集而周全的裹杂感，因此在聆赏的过程中，即兴成了这种音乐的显亮色彩。数字摇滚乐更是一种即兴风格呈现出来的整体周密。Mice Parade的这张作品就凸显了这种器乐的密集感和整体无懈可击之下所体现出来的爆发力。
如上描述，Mice Parade的《Bem-Vinda Vontade》更像是上演了一出即兴风格的音乐话剧。主角是吉他手，他的特点是脾性易变，不按常规行事，恣意妄为，时而乖巧、时而严谨、时而张扬、时而又颇有些自虐；2号人物-鼓手，噢！是个老家伙，他也深知道如何用自己的老到凌练来和轻少气色的吉他手一起驾驭着主要的情节，他俩经常是合谋行事，亦张亦驰，亦收亦放，搞得情节经常是高低起伏；1号配角-贝司，幕后的氛围操盘手，在你还没有感觉到它的存在时，你已经深陷于它的笼罩之下，你只有等待着、感觉着，却无法预料1、2号人物合谋上演的下一步；2号配角-嬗变的女人，她似乎全然并不理会前面的事情，她只想让我们感觉到她的嬗变所引发的不可忽视的影响，时而如襁褓中的女婴(不禁联想到了múm中的女声)，时而又展现那种挠人嘶痒的娇媚，时而又是和着爵士的音色而凸显一种悠闲自得的品味，别忘了，女人总是会在适当的时候让你刻骨铭心的。合成器可以算作跑龙套的了，没有太过多显露其水准的高低。
所以，看好这出戏有这么几点：1号人物脾性变化下的行为；2号人物的老辣；他们俩的融合碰撞所导致的起伏颇大的情节；贝司手的操盘本领(比较容易忽略)；嬗变的女人；把合成器当作甜点好了。
最后还是透露一下部分演员的情况：嬗变的女人～冰岛múm乐队女主音Kristin Anna Valtysdóttir；老辣的鼓手～June of 44和Him乐队的Doug Scharin，另外一位鼓手是Dylan Group乐队的Dylan Cristy。
6、Hood-《Outside Closer》：“混”入实验阵营的流行音乐
聆听指数：7.8/10
Hood已经是一支老牌乐队了，从1990年开始至今在不同的厂牌下发行了10张专辑和若干单曲，乐队来自英国利兹。在《Outside Closer》这张专辑以前，他们的上一张专辑《Cold House'》被评论界认为是跨越了电子、嘻哈以及独立音乐之界限的出色作品，但这并不代表2005年的作品也具有同样的音乐色调，“已经很长时间没有出专辑了，每每想到这个问题就头疼，你想如果你无法突破以前的专辑创作水平，你又凭什么推出令人激赏的新作品呢？所以，沉迷于过去创作的音乐不是一件好事情，我们对于每张专辑的创作都是以第1张或是最后1张来视之，那将会使得我们于音乐之上有所突破。”乐队成员Richard Adams沉思片刻之后的回答，所以，2005年的这张《Outside Closer》，Hood的确带给了我们一些新的东西，也颇令人激赏。
在这张专辑中，Hood弱化了以前比较明显的电子乐成分而转成精致散落各处的小电音乐声效，而将效果拼贴放在一个主要的位置上，节奏与布鲁斯风格的音乐经过剪切和重新拼贴而形成绝大多数作品的主要创作手法，作品中也大量借鉴了80年代的弦乐演奏技巧和通过电子声效形成音乐上的湿润质感，而对于弦乐以及箱琴的出色运用使得整部作品透露出别样的灵巧气质。
最后要说的是这张唱片就是属于那种极其好听的实验音乐，这张专辑是Hood将摇滚乐、弦乐以及电子乐做了一次完美的融合而造就的一张实验流行音乐作品。
交叉小径的垃圾花园
我唯一的优点是:我悲观!
